martes, 30 de diciembre de 2008

Echo & The Bunnymen: "Crocodiles" (1980)

Dende qu’en 1971 morriera Jim Morrison, la música de The Doors quedara cuasi una década aparcada nesi llugar qu’ocupen los clásicos que cuasi naide nun escucha. Per un llau, la d’ellos nun fuera una propuesta mui acordies col rock mastodónticu de los virtuosos de la guitarra qu’a finales de los años setenta diba convertise en tendencia de consumu masivu. Per otru llau, tampoco nun concasaba muncho col esquematismu de la new wave y el punk más integrista. Nada nun facía prever qu’al entamar la década de los ochenta diba reivindicase hasta tal puntu la so herencia.
En 1980, el que fuera teclista de The Doors, Ray Manzarek, apadrina a una escura banda de Los Angeles llamada X y produz el so primer álbum, onde s’inclúi una versión del clásicu “Soul Kitchen” (del primer discu de The Doors, 1967). Esi mesmu añu produzse tamién el debú discográficu de la banda de Ian McCulloch, un músicu de Liverpool con una voz y un xeitu de cantar qu’evoquen automáticamente la voz y les maneres de Jim Morrison.
El grupu de McCulloch ye Echo & The Bunnymen, y ta llamáu a convertise nuna referencia inescusable del pop-rock de los años ochenta. Anque la so evolución posterior nun va tar al altor de los sos entamos, produz cuatro grandes álbumes ente los que destaca claramente’l primeru, Crocodiles, onde la voz de McCulloch xuega al esconderite cola guitarra de Will Sergeant (un músicu más influyente que famosu, con una técnica cuasi impresionista, sólo comparable a la de Johnny Marr, de The Smiths). En Crocodiles mázcase una almósfera ténebre, anque non macabra: una mezclienda de romanticismu byronianu y psicodelia desencantada (lléase The Doors) que tien los sos momentos cimeros na rimbaudiana “Pride”, na cuasi gayolera (por cínica) “Rescue”, na espectral “Pictures On My Wall” y na antiépica “Happy Death Men”.

lunes, 29 de diciembre de 2008

Les postales del náufragu



Un vieyu proyectu nuevu: Jandro Llaneza cuelga na rede la serie Náufrago de luz: "un diario de viaje, una travesía ya lejana en el tiempo, anterior a la era digital del nuevo siglo XXI, comienza en octubre del año 1998 en Bristol y finaliza en Berlín el 11 de agosto de 1999 con el último eclipse solar del siglo XX", según les sos pallabres.
Por fin. Yá avagaba ver dormir estes semeyes.

domingo, 28 de diciembre de 2008

Vivir y morrer en Gaza

En Gaza, en Cisjordania, o n'Israel mesmo si yes árabe: recuperación de la ética y la estética del ghetto énte una política yá non d'ocupación sinón d'exterminiu.
Podemos da-y venti mil nomes, les imáxenes nostante falen elles soles.
Les cifres, tamién.

[El clip, de los palestinos DAM. Más información equí.]

sábado, 27 de diciembre de 2008

Balance musical de 2008

Posiblemente la posteridá nos descubra que’l gran álbum de 2008 nun foi nengún de los qu’agora m’abulten perdurables. Nostante, na mio esbilla personal paécenme toos ellos candidatos a resistir el pasu del tiempu, caún por diverses razones. Naturalmente, quédame la gran dulda sobre’l qu’agora mesmo pue ser el discu de rock más discutíu del añu: Chinese Democracy, de Guns N’Roses. Ye tanto lo que se ta escribiendo sobre él, y tanto d’ello dende puntos de vista extramusicales, que’l pesu del prexuiciu y los daños collaterales faen difícil una valoración del so apueste sonoru (anque a min, pel momentu, paezme mui recomendable, lo mesmo me da’l dineru y el tiempu que llevara producilu).
Seique’l mio balance del añu dexa n’evidencia que toi avieyuscando: los más que nél figuren son músicos de más o menos la mio edá, con una trayectoria bien sólida, que vuelven a la vida depués d’un paréntesis más o menos llargu, o que siguen una venturosa carrera ensin saltos. A la primera de les categoríes pertenecen The Black Crowes, que volvieron con un más que recomendable Warpaint depués de seis años de silenciu discográficu. A la segunda, el cada vez más grande Nick Cave (y los sos inevitables Bad Seeds) con Dig, Lazarus, Dig, un álbum qu’arrenuncio a intentar decidir si ta o non ente los meyores de la so llarga carrera.
Otros que volvieron col ánimu en fierros foron Primal Scream: Beautiful Future ye’l so meyor discu dende’l celebráu XTRMNTR (2000), y nun sé si incluso superior a esti. A Primal Scream ye fácil que se-yos frustre l’intentu de concasar les dos venes que los definen, la vena rollingstoniana y la vena electrónica, pero equí, y especialmente en temes como “Suicide Bomb” o “I Love To Hurt (You Love To Be Hurt)”, ensámblenles a la perfección, yo diría que como nunca. Polo demás ye un discu duru, gochu y demente: el qu’avisa nun ye traidor.
Tamién pertenez al club de les grandes carreres la de Bonnie Prince Billy, que presentó esti añu Lie Down In The Light. Trátase d’un nuevu pasu nel so programa de renovación de la mitografía country, y ye seique l’álbum onde la so voz ye más firme, onde’l so xeitu de cantar revela un dominiu que nunca nun mostrara con tanta intensidá. Dexa posu. Sascude. Nun s’olvida.
Y otru regresu foi’l de Spiritualized, que nos entregó la so meyor obra dende Ladies And Gentlemen We Are Floating In Space (1997): Songs In A & E. Grabáu mientres el cantante y compositor del grupu, Jason Pierce, convalecía d’una neumonía que cásique lu mata (y prometo, pa los que me conocen, que yá me gustaba’l discu enantes d’enterame d’esta coincidencia), Songs In A & E nun ye un álbum fúnebre, nin muncho menos: ye una obra de renovación, y hasta de celebración, poéticamente inspirada y muncho más cálida que nengún otru trabayu de Spiritualized.
Sicasí, 2008 foi l’añu en que por fin salió a la lluz un discu que dalgunos llevábemos munchu tiempu esperando: Saturnalia, l’anunciáu debú de The Gutter Twins, el proyectu a comuña de Mark Lanegan y Greg Dulli. Saturnalia ye un álbum escuru, qu’hereda la sonoridá y l’ambientación del últimu grupu de Dulli, The Twilight Singers, y que tien muncho de manifiestu (anque la continuidá, tratándose de Lanegan, nunca nun ta garantizada). Acoyílu a lo primero con un aquel de decepción. Dame, nostante, que va cristalizando como futuru discu de cultu.
Mención especial merez Only By The Night, l’últimu trabayu hasta’l momentu de los cada vez más interesantes y recios Kings Of Leon: un álbum inspiráu, lo mesmo que tolos demás d’esta banda, pol hard rock de los setenta, con raigaños evidentes nel southern rock y un puntu de continuidá colos meyores momentos de Pearl Jam. Influyencies aparte, la confirmación de Kings Of Leon como una de les bandes de referencia pa entender la primer década del sieglu XXI.
Y mui cerca, estilísticamente falando, queda In The Future, el nuevu álbum de Black Mountain, otros herederos del hard anque con un matiz inequívocamente psicodélicu. Diez esquisitos temes onde s’entemez el maxisteriu de Grace Slick y Neil Young cola fiereza del stoner rock nuna propuesta mui cercana a la de los australianos Wolfmother pero con un plus de delicadeza.
2008 foi tamién l’añu del álbum de Micah P. Hinson And The Red Empire Orchestra, del Consolers Of The Lonely de The Raconteurs y del Distortion de los Magnetic Fields. Ellos completaríen la docena del mio resume musical d’estos doce meses. Doce interesantes meses, anque la democracia nun aportara a China y seya un ideal cada vez más llonxanu en cualquier parte del mundu.

viernes, 26 de diciembre de 2008

Tom Petty & The Heartbreakers: "Damn The Torpedoes" (1979)

¿A quién-y cai mal Tom Petty? Ye, evidentemente, una pregunta retórica, pero tamién un avisu pa navegantes: la so voz, les sos composiciones, hasta les sos (mui discutibles) decisiones en materia d’arreglos, espierten en min una simpatía mui difícil de xustificar en términos académicos. Frente a otros “cantautores urbanos” colos que suel emparentáselu, atópase nél una inxenuidá alpenes tiñida d’ironía, un ecu de la cultura hippie que nun se da nos sos primos (Bruce Springsteen, John Mellencamp, muncho menos n’Elvis Costello, col que tanto tien en común). Damn The Torpedoes axunta nun solu volume toles traces de bon facer que-y vienen en llinia directa de The Byrds, y evidentemente de Bob Dylan, al traviés de temes como “Refugee” (un saltu ensin rede nos terrenos de la producción, esi tecláu tan indiscretu, dixérase que descaráu), “Even The Losers” (un reconocimientu cuasi obligatoriu a la influyencia de los Rolling Stones) o “Don’t Do Me Like That” (paradigma del ésitu masivu na anémica radio de los años ochenta). Un álbum conservador, ciertamente, en términos evolutivos, magar que la so función (como la de cualquier tipu de xuglar en cualquier época) nun seya la d’innovar sinón precisamente la de recombinar d’un xeitu arteru un repertoriu de fórmules tradicionales.

miércoles, 24 de diciembre de 2008

Lenin, novelista

Nun sé si ye ún el que se marca una axenda de llectures o ye l’azar. Nel mio casu (y dexando a Proust al marxe), vien tentándome estos meses revisar, un poco al aldu, esa tierra de naide ente la novela y el periodismu que, sicasí, acaba resultando un poco patética cuando asume la hexemonía cultural d’un país. Patética, naturalmente, nel sentíu estrictu del términu.
Amás, y a vueltes cola pantasma del Mayu del 68, y col xenoma hippie y anticolonial que s’activa de xemes en cuando nos nuesos ambientes lliterarios, la rebusca d’esos raigaños y la esploración d’eses incertidumes llevóme, cómo non, al territoriu de caza de Norman Mailer. Concretamente, a Los ejércitos de la noche. De 1968, precisamente.
Los ejércitos de la noche ye una novela de non ficción. El so puntu de partida (l’acontecimientu novelable), la marcha sobre’l Pentágonu que na seronda de 1967 organizaron y protagonizaron miles de persones en protesta contra la guerra de Vietnam. Los ejércitos de la noche ye, poro, un documentu históricu. Pero tamién una gran novela.
Norman Mailer participó naquella marcha y a Norman Mailer detuviéronlu naquella marcha. El so testimoniu ye de primer mano. La so caligrafía, magar del chiste malu, tamién ye de primer mano, y ye tan asina que’l protagonista de Los ejércitos de la noche ye’l propiu Norman Mailer, tresmutáu, gracies a los trucos del relatu en tercer persona, nun suxetu d’acciones oxetivables, observaes y xulgaes pol propiu autor desdobláu. La llarga primer parte del llibru busca tratar la historia como novela, mientres que la segunda, muncho más curtia y tocada d’un estilu onde ye pa vese la sombra de Lenin, interésase pola novela como historia (d’una manera oblicua y, por dicir, falsa: ye novela con estilemes historiográficos). El falsu xuegu d’espeyos ye un comentariu a pie de páxina del conocíu pensamientu d’Aristóteles qu’afirma la superioridá de la poesía (equí val dicir novela) sobre la historia. Igual qu’Aristóteles, Mailer comprende que’l proceder novelísticu ye l’únicu válidu pa tratar d’entender l’acontecimientu históricu.
L’egotismu de Mailer tien nesta novela una coartada constante, a saber: el propiu tratu del qu’él ye oxetu por parte del novelista. Mailer-personax ye un ser bufonescu, ridículu n’ocasiones, especialmente cuando se siente presa de cualquier enclín beatíficu. Mailer-personax ye, por humanu, mui poco de fiar, lo que fai que Mailer-novelista alquiera una fiabilidá que d’otra manera nun diba atribuíse-y. Los demás personaxes, incluyíos los “famosos” (especialmente estos), queden llibres de cualquier rensía o remor que’l novelista pudiera proyectar nellos, una y bones la carga emocional ponla Mailer-personax: Robert Lowell, Jerry Rubin, David Dellinger, Noam Chomsky y tolos demás participantes na protesta reciben una dosis de veracidá que nin siquiera l’asepsia (o más bien la distancia epocal) del historiador actual diba poder brinda-yos. En ciertu sentíu, tamién equí funcionen les vieyes mañes del demagogu: entusiasmar primero al auditoriu (al llector) con unos cuantos pases d’ilusionismu, lléase histrionismu, y, darréu que’l novelista se fai cola atención del respetable, echase a un llau, dexar que seyan otros, los verdaderos protagonistes, los qu’ocupen el centru del escenariu. Por eso’l final ye una novela coral, enmazcarada d’análisis leninista (y ciertamente tamién funciona como análisis, lo mesmo que munches obres de Lenin funcionen como noveles).

lunes, 22 de diciembre de 2008

Xurídicamente non

Un asturiano falante, ¿nun tien los mesmos derechos qu'un castellano falante?
Non. Xurídicamente non.
¿Quier dicir que mio buela, que namás fala asturiano, tien menos derechos que dalquién que fale castellano?
Non. Tien los mesmos derechos. Lo que pasa ye que cuando fale cola alministración necesariamente tendrá que falar en castellano. ¿Ye eso una merma de los sos derechos? Ye un condicionante. Simplemente tien que falar en castellano.
¿Y si nun puede?
Tien que poder.

Hasta equí parte de la entrevista concedida por Fernando Lastra a Xuan Bello en Les Noticies Dixital (entrevista completa equí). El de la cursiva ye Bello. El de la lletra escuro ye Lastra. Lastra, el de la lletra escuro: acaba de gustame l'asociación d'idées.
Pal que nun lo sepa, Fernando Lastra ye'l voceru del grupu parllamentariu socialista na Xunta Xeneral del Principáu d'Asturies.
¿De qué me suenen estos modales?

domingo, 21 de diciembre de 2008

X-Ray Spex: "Germ Free Adolescents" (1978)

X-Ray Spex ye’l cucu candiliru del punk británicu: brilló y desapaeció depués d’un álbum impresionante, Germ Free Adolescents, llenu de brutalidá conceptual (y guitarrera) y onde la voz y l’actitú de la so cantante, Poly Styrene, quedó grabada como iconu d’una de les facciones más interesantes de la pequeña revolución sonora de finales de los setenta.
Jon Savage, na so imprescindible crónica d’aquellos díes, England’s Dreaming, pon l’acentu na importancia de Poly Styrene como réplica al estereotipu de la muyer pop: frente al ideal de la moza ensin xacíu, obediente al “shake your hips”, la d’ella ye una actitú d’insumisión y denuncia del estereotipu sexista. “Some people think little girls should be seen and not heard”, cantaba en “Oh Bondage, Up Yours!” (primer ésitu del grupu, previu al álbum), con una voz mui influida pol xeitu de cantar de Patti Smith, pero tamién pol de John Lydon. En Germ Free Adolescents el soníu de la banda endurezse considerablemente, completando l’actitú y la violencia verbal que constituíen les sos principales virtúes con una producción al mesmu nivel d’esixencia que’l so discursu anti-consumismu. El saxu de Lora Logic ye otra de les notes distintives d’un grupu que convirtió’l nihilismu punk n’autocrítica y denuncia del so propiu sistema de representación.

sábado, 20 de diciembre de 2008

Richard Hell & The Voidoids: "Blank Generation" (1977)

Pa entender la xestación del punk americanu, como suel pasar con cuasi toles vanguardies artístiques, hai que tener en cuenta la endogamia. Y ye la endogamia lo qu’en bona midida esplica la flexibilidá d’esti movimientu, frente a la rixidez cuasi de grandes almacenes del punk británicu. Tamién ayuda a comprender un fenómenu más americanu qu’européu: la continuidá interxeneracional, la coesistencia y la collaboración ente músicos de diferentes y sucesives raches epocales. De The Velvet Underground a Yo La Tengo, la fluidez y l’intercambiu d’esperiencies nun s’interrumpe en más de trenta años.
Veceru del célebre CBGB, como Patti Smith, John Cale, David Byrne y el restu d’abanderaos de la movida punk neoyorquina, Richard Hell ye parte d’esa endogamia creativa. Pasó per Television enantes que se llamaren Television (The Neon Boys yera como se los conocía al altor de 1974). Nun encaxaba’l so enclín desanxeláu y garaxeru col virtuosismu de Tom Verlaine y Richard Lloyd, asina que foi a xuntase con otru desterráu de la escena proto-punk, Johnny Thunders, acabante d’abandonar los New York Dolls, pa formar The Heartbreakers. Equí foi un problema d’egos el qu’acabó determinando una nueva mudanza de Hell a la busca d’una banda onde poder imponer el so criteriu ensin que naide-y tusiera.
La banda llamóse The Voidoids y nella militó un guitarrista tan escepcional como discretu, Robert Quine, que más alantre diba ser reclutáu por Lou Reed. El so primer álbum, Blank Generation, ye punk destiláu, acanalláu, vistíu de poesía de caleya, acasu non tan integrista como’l que practicaben los Ramones y por supuestu muncho menos histriónicu que’l de los Sex Pistols (anque la influyencia de Hell en Johnny Rotten ye innegable). Temes como “Love Comes In Spurts”, “Liars Beware”, “Betrayal Takes Two” y, cómo non, el cuasi himnu que-y da nome al discu, amás d’evidenciar otra vuelta’l talentu de Quine, dan fe d’una propuesta que quedó seique superada pola comercialización d’un inventu nacíu pa vender nes galeríes d’arte primero que nos hipermercaos.

viernes, 19 de diciembre de 2008

Turón, sesión de tarde



Tarde intensa en Turón. De mano, colos llectores del taller lliterariu que dirixe Laura Marcos: muncho deprendí, y lo que me queda. De siguío, ehí con Silvia Cosio y Pablo Texón y Alfredo González y bien de públicu y amigos y redescubriendo la verdadera razón pola que facemos lo que facemos. De vuelta coles piles cargaes. Obligao davos les gracies.

lunes, 15 de diciembre de 2008

Doble o nada (segundu entierru)


Velequí que’l xueves, día 18 de los corrientes (qué ganes tenía d’emplegar esa espresión), presentamos Entierros de xente famoso en casa, nel valle, ye dicir: en Turón. La cita va ser a les ocho de la tarde nel Atenéu, y ye doble, porque tamién enterramos, quiero dicir que presentamos, el nuevu discu d’Alfredo González, La nada y tu. De maestru de ceremonies va actuar Pablo Texón, que parte de culpa (y dalgo de lluz) tien tanto del llibru como del discu.
Previamente, a eso de les siete, esti que firma va intervenir nun taller lliterariu nel mesmu Atenéu.

domingo, 14 de diciembre de 2008

La nada y tu

A sólo unos meses de la so estrena urbi et orbi na llingua del imperiu, Dudas y precipicios, regálanos Alfredo González un nuevu discu na llingua popular: La nada y tu. Diez temes basaos n’otros tantos poemes d’autores asturianos (tracklist equí), ente ellos esti, secuestráu d’una actuación suya en Llanes.



[2008: dos álbumes d’Alfredo González, debú de Xabel Vegas con El óxido, regresu de Nacho Vegas con El manifiesto desastre, y anunciáu anque pospuestu llanzamientu del primer discu de Fran Gayo en solitariu. ¿Qué pasa en Greenwich Village?]

viernes, 12 de diciembre de 2008

Malaussenianu

Seguro que nun-y descubro nada a naide, pero qué grande ye Daniel Pennac. Yo acabo de lleer un llibru suyu per primer vegada (la culpa tienla la mio amiga Patricia Orejudo), y cuantayá que nun sentía esa satisfacción d’atopar a un autor nuevu al que poder tratar con reverencia y familiaridá. El hada carabina lleva más de venti años reclutando llectores, y ye pa preguntase ónde tuvi yo metíu estes dos décades: una novela con esa santidá de les bones histories contaes con pulsu firme, ensin cayer na tentación d’impresionar con paraxismos, onde cada personax ye un personax y non una alegoría del Mal o de la Violencia o del Terror. Col sanu marmullu de les frases bien diches y absolutamente desprovista de clixés (la guerra contra’l clixé tovía nun ta perdida), ye pa pensar que tola vida tuvimos esperando por un personax como Benjamin Malaussène. Memorable. Acabo de convertime al malaussenismu.

miércoles, 10 de diciembre de 2008

Joan Armatrading: "Joan Armatrading" (1976)

El tercer álbum de Joan Armatrading, discretamente tituláu sólo col nome de l’autora, ye de tola so carrera’l que meyor resume’l pulsu de la so voz y el qu’axunta les diez canciones que meyor la definen. Empezando pela potente “Down To Zero” (col pedal steel de B.J. Cole) y incluyendo la esitosa “Love And Affection” (amás de balaes como “Save Me” y “Somebody Who Loves Me”, o exercicios d’estilu como “Tall In The Saddle”, “People” y “Lake Fire”), el discu val tamién de referencia pa entender l’almósfera d’interregnu de mediaos de los 70, cuando’l rock faraónicu taba a piques de cede-y el cetru radiofónicu al pop menos musculáu de la new wave, y col reggae y la música disco endolcando un panorama de poétiques superpuestes y estétiques bazcuyantes. Folk urbanu, rock mestizu o soul de cámara: nenguna etiqueta agota’l conteníu d’una gran obra.

martes, 9 de diciembre de 2008

Brillante y valiente

Tampoco abrieron la boca los muertos pa defendese de tanta felicidá como sentisti a la hora de dar la estancia por clausurada. Pero, por ellos y pa quien te sigue detrás, y te mira y nun compriende, y tamién se va sentir sola pero yá nun les va conocer más que pol to testimoniu; pa ella escribisti una última carta que dexasti nel sitiu d’aquella vieya cama desaparecida, qu’agora tien la so significación nel to sentimientu.


De La cama, de Vanessa Gutiérrez. Un llibru pa relleer.


lunes, 8 de diciembre de 2008

Brian Eno: "Another Green World" (1975)

Si hai un purgatoriu pa músicos, Brian Eno va pasar ellí una llarga temporada, darréu que ye a él al que pue atribuíse-y la invención y popularización de la música ambiental, un conceptu que sólo precisaba del so bayurosu talentu inxenieril pa desenrollase, una y bones yá fuera aspiración de músicos y oyentes n’otros tiempos, como bien criticó Nietzsche: “Mesmo cuando’l poeta musical falara de la so obra en términos d’imáxenes, calificando, por exemplu, una sinfonía de pastorale, o un tiempu de escena xunto al regatu, y otru de allegre reunión d’aldeanos, toes estes coses son, igualmente, más nada que representaciones simbóliques, nacíes de la música, y non, siacasu, oxetos que la música imitara”. Ello ye: la música nun ye mimesis, por muncho que lo quiera’l gustu new age.
A favor d’una rebaxa de la condena de Brian Eno hai que contar la so etapa en Roxy Music (1971-1973), la so collaboración con David Bowie na triloxía berlinesa (Low, Heroes y Lodger, ente 1977 y 1979), la so faceta como productor (Talking Heads, U2, Ultravox!, Devo) y el so trabayu xunto a David Byrne en My Life In The Bush Of Ghosts (1981), amás d’un bon puñáu d’escelentes álbumes, ente ellos Another Green World.
Por muncho que les aspiraciones d’Eno fueren na llinia de la so poética ambient, Another Green World funciona cásique como refutación de les sos propies hipótesis: nenguna de les composiciones ye la prollongación d’un ambiente, la recreación d’un paisax, la mimesis d’un entornu. Equí la música brilla como lo que ye: función d’un sistema tecnolóxicu. L’aclamáu solu de Robert Fripp en “St. Elmo’s Fire”, frutu de la combinación d’una guitarra con una máquina Wimshurst (un xenerador d’electricidá desarrolláu a finales del sieglu XIX), pue valir de símbolu de la idea qu’alimenta l’álbum ensembre: la tecnoloxía al serviciu de la producción de paisaxes sonoros, paisaxes impredicibles per otra parte. De los afilaos cantiles de “Sky Saw” a les llandies dunes de “Spirits Drifting”, les evocaciones son prollongación del oyente al traviés de pieces tan brillantes, mesmo na escuridá, como “I’ll Come Running”, “Golden Hours”, “Sombre Reptiles” o la citada “St. Elmo’s Fire”, candidata al títulu de primer canción steampunk de la historia.

sábado, 6 de diciembre de 2008

miércoles, 3 de diciembre de 2008

Presentando (primer entierru)

Róbo-y descaradamente la idea del entierru/presentación a Pablo Texón (qué guapo, hermanu). Asina qu'enterramos el vienres, día 5, a les siete de la tarde en Fnac. De sacramenteru va oficiar Xabel Vegas (que por cierto estrena poemariu dixital: merez visita).
Ellí nos vemos.

domingo, 30 de noviembre de 2008

Robert Wyatt: "Rock Bottom" (1974)

Músicu inquietu y inclasificable, auténticu catalizador del llamáu “soníu Canterbury”, Robert Wyatt dexa The Soft Machine darréu de grabar el tercer álbum del grupu, tres d’un tensu periodu de desalcuentros colos sos compañeros, cada vez más orientaos al jazz. Wyatt, que siempres se definió como un “pop singer”, funda una nueva banda d’altu voltax políticu llamada Matching Mole (qu’en realidá nun significa otro que la traducción de Soft Machine al francés, anque escrito a la inglesa) xunto a Phil Miller, Dave Sinclair y Bill McCormick. En 1973, una caída dende un tercer pisu dexa al músicu paralizáu pa siempres nuna siella de ruedes; de resultes d’ello, abandona’l proyectu Matching Mole, que tenía una de les sos señes d’identidá nel trabayu de Wyatt como batería, trabayu que yá nun va poder facer nunca más. Anque bona parte de Rock Bottom compunxérala enantes del accidente, ye na llarga convalecencia onde Wyatt-y da forma definitiva a la so obra maestra, un trabayu d’autosuperación, de llamentos disfrazaos d’epifanía, onde participen músicos escepcionales como Nick Mason (Pink Floyd), Fred Frith (Henry Cow), Richard Sinclair (Caravan), Hugh Hopper (The Soft Machine), Mike Oldfield (Kevin Ayers & The Whole World), Gary Windo (Centipede) o Laurie Allan (Gong), amás del poeta y cómicu Ivor Cutler.
Rock Bottom abre cola agónica y elegante “Sea Song” (maxestuosu diálogu’l del muérganu de Wyatt col baxu de Sinclair) y continúa cola ascendente “A Last Straw” (too nella tiende a lo alto, pente medies d’un pianu convertíu en parte de la sección rítmica) enantes de da-y ales a la frenética “Little Red Riding Hood Hit The Road”, un delirante tapiz de pianu, trompeta (Mongezi Feza), percusiones y floritures vocales que tien el so reflexu nel tema ximielgu col que se pieslla l’álbum, “Little Red Robin Hood Hit The Road” (incofundible la guitarra de Mike Oldfield, insustituible la viola de Fred Frith). Los dos cortes restantes, tamién ximielgos, son los arrespigantes “Alifib” (con un impresionante solu de baxu de Hugh Hopper) y “Alife” (con una non menos impresionante improvisación de Gary Windo al saxu tenor), dedicaos a la compañera de Wyatt, Alfreda Benge, que collabora tamién nesti últimu tema, recitando los obsesivos versos qu’él-y dedica.
Tiense especulao muncho sobre la rellación ente Rock Bottom y el dramáticu cambiu nes condiciones d’esistencia de Wyatt: alternativa al suicidiu, venganza musical, declaración d’amor a la compañera incansable, biecu sardónicu d’una de les mentes más febriles de la música contemporánea, l’álbum piésllase con una sonora y agria carcaxada qu’ensin duldes nun ye inocente nin casual.

sábado, 29 de noviembre de 2008

El placer ye míu

Lo peor de tener amigos escritores, cuando ún ye escritor, ye l’inevitable momentu del intercambiu d’agasayos, meimos, piropos y otres figures del imaxinariu psicosocial de la emoción. Ye como vivir un aniellu Kula verbal, onde les más de les veces nun t’abandona la sensación de que, digas lo que digas, va sonar irremediablemente falso (quitando cuando l’agasayu se convierte en crítica, qu’entós alquier una insoportable gravedá y una veracidá que nin siquiera sospechabes cuando la emitíes). Nun dexo de sentir esi pesu de la inutilidá de les pallabres en momentos como esti, pensando en cómo corresponder a les candiales llinies qu’Ismael Piñera me dedica nel so blog (recomiéndase aprovechar la visita pa descargar “La fiesta del fin del mundo”, la última aventura de Marienbad: qu’esto va de música, señores). De tratase d’otra persona, consolaríame pensar qu’espera esa respuesta, y que nel fondu, con dá-yla, yá taría cumpliendo cola mio obligación hacia’l Kula emotivu-lliterariu. Tratándose de quien se trata, en cambiu, nin siquiera me queda’l clavu ardiendo de supone-y una inverosímil hipocresía, y tampoco nun puedo prever la so reacción al responde-y públicamente que’l placer ye míu.

jueves, 27 de noviembre de 2008

New York Dolls: "New York Dolls" (1973)

“Nacíen numberosos seres con dos cabeces y dos pechos, seres bovinos con rostros humanos y viceversa, híbridos d’elementos masculinos y femeninos y dotaos de partes sombríes”. Asina describe Empédocles les primeres xeneraciones que poblaron la tierra enantes que les combinaciones d’elementos fueren perfeccionándose, y asina yera dable describir a los New York Dolls, per un llau un grupu con dos cabeces (David Johansen y Johnny Thunders) y dos pechos (Arthur Kane y Syl Sylvain), per otru llau un híbridu d’elementos masculinos y femeninos que xugaba al travestismu n’escena, y n’última instancia un ente ensin forma acabada, que preludiaba criatures del futuru ensin ser pa mostrar una esencia definida. Foron el primer ensayu de la revuelta punk, rock básicu ensin virtuosismos de nenguna especie, la traducción del art rock de The Velvet Underground a una llingua paleolítica ensin coartada contracultural: un empeñu fundamentalista por volver a los Rolling Stones d’enantes de Aftermath anque apuntando a un nihilismu glam que darréu diba dexar de ser glam y encarnar na autoconsciencia punk de los Ramones y los Sex Pistols, principales heriedes de Johansen y compañía. Nel so primer álbum, producíu por Todd Rundgren (feble intentu d’adondar a la bestia y aproximala a la sonoridá de moda), punxeron los cimientos d’un edificiu que tovía naide nun sabía que diba construise, y quitáronse d’en medio xusto cuando empezaba a granar lo que semaren en canciones como “Personality Crisis”, “Vietnamese Baby”, “Frankenstein”, “Trash” o “Subway Train”.

lunes, 24 de noviembre de 2008

La docena de diez

Acabante nacer, caliente entá como un pan recién salíu del fornu: Entierros de xente famoso ye, por fin, un llibru fechu y derechu, con cantu y solapes, con páxines que pasar y que lleer, y con tolos riesgos del mundu per delantre, sobre too pal autor, al que nun-y queda yá otro qu’esperar y observar impotente la fortuna, poca o muncha, del fíu. Dientro de nada andará yá peles llibreríes.
Son diez relatos, pero a la postre son doce, si contamos les dos versiones micro que van incluyíes nel prólogu. El más vieyu, “Señales del cielu”, ye del añu 2002, y hai otru, “Los supervivientes”, sólo un poco más mozu, pero tolos demás son bien nuevos y da un poco de perceguera echalos pel mundu p’alantre cuando tovía nun tienen edá p’andar solos. Toi, nostante, arguyosu d’ellos: devolviéronme la calor a los deos y destrancaron unes arteries qu’amenazaben con provocar cualquier día un cataclismu.

domingo, 23 de noviembre de 2008

Manassas: "Manassas" (1972)

¿A quién hai qu’atribuir l’autoría d’esti álbum? Hai llistaos onde figura como creación de Stephen Stills, mientres que n’otros apaez como opera prima d’una banda llamada Manassas que, efectivamente, diba sacar un segundu álbum (Down The Road) en 1973. Na cubierta del discu, el nome de Stills figura dos veces, la primera d’elles xusto delantre del títulu, la segunda alliniáu colos demás miembros del grupu. A esto hai qu’añedir que, quitando un tema (“Bound To Fall”), toles canciones tán acreitaes a Stills, la mayoría d’elles n’esclusividá. Asina podíemos siguir un bon cachu.
Lo meyor pa nun s’enredar nesta estéril discusión ye considerar que la propia banda, Manassas, ye una creación de Stephen Stills. D’esa banda formaben parte Chris Hillman, Al Perkins, Paul Harris, Calvin Samuels, Dallas Taylor y Joe Lala. En resumíes cuentes, músicos reconocíos pol so trabayu en Buffalo Springfield, The Byrds, The Flying Burrito Brothers y Blues Image, amás de la esperiencia previa (non sólo de Stills, sinón tamién de Samuels y Taylor) con Crosby, Stills, Nash & Young.
Manassas vien a ser una alegoría d’América, un cóctel de músiques estremaes, bien definíes, influyéndose ensin mezclase. L’álbum divídese en cuatro partes (les cuatro cares orixinales del doble LP) y en caúna d’elles ye un estilu’l que domina: na primera (“The Raven”) el latin rock, na segunda (“The Wilderness”) el country y el bluegrass, na tercera (“Consider”) el folk-rock, y na cuarta (“Rock & Roll Is Here To Stay”) el blues-rock y, en definitiva, el southern rock como meta y epítome del camín recorríu. De cau a rau, nostante, la mano de Stills, inconfundible, remanando les riendes d’una banda ad hoc y tiñendo cada canción de la mesma maestría sombría y melancólica qu’amosara nos sos anteriores proyectos. “Song Of Love”, “Anyway”, “So Begins The Task”, “Johnny’s Garden”, “How Far” y “The Love Gangster” (co-escrita con Bill Wyman, baxista invitáu na grabación) son pieces imprescindibles, igual que la triste coda de “Blues Man” (interpretada por Stills solu, en clave acústica), un broche a la memoria de Jimi Hendrix, Alan Wilson y Duane Allman, los tres guitarristes, los tres amigos de Stills y los tres muertos enantes de tiempu.

viernes, 21 de noviembre de 2008

Remesa de llibros

Navona Editorial acaba publicar la mio traducción castellana de La promesa, de Friedrich Dürrenmatt, esa especie de venganza contra la novela policiaca y, de pasu, contra les convenciones morales. Y Publicaciones Ámbitu acaba sacar Dir pa escuela, un llibru colectivu, coordináu por Miguel Rojo, onde dellos escritores recreamos los nuesos años d’escolinos (yo soi’l piquiñín, detrás d’una abondosa nómina onde figuren Carmen Gómez Ojea, Roberto González-Quevedo, Ismael Mª González Arias, Antón García, Milio Rodríguez Cueto, Aurelio Ovies, José Luis Piquero...). Díes de seronda enllenos de llibros nuevos, proyectos que lleguen a bon puertu, bones razones pa siguir dexando les pestañes ente lletra y lletra. Y tovía falten un par de sorpreses.

jueves, 20 de noviembre de 2008

Joni Mitchell: "Blue" (1971)

Joni Mitchell ye la voz de la resistencia. Tamién el relatu en primer persona d’una trayectoria xeneracional, y ye en Blue onde ye dable reconstruir esi itinerariu qu’entama nos “dark cafe days” pa siguir nel movimientu pro derechos civiles, abrazar la psicodelia y ver l’alborecer y l’atapecer del movimientu hippie, y al cabu desembocar nel dolce far niente de les comunes al borde de la escuridá nixoniana de los primeros años setenta.
Un discu qu’entama cola seductora “All I Want” ye difícil que caltenga un nivel tan altu a lo llargo de los diez cortes que lu componen. Difícil, pero posible. “My Old Man” sustitúi la danzarina guitarra de James Taylor por un pianu de tecles resquebraes enantes de dar pasu a l’autobiográfica (y triste) “Little Green” (la historia de cómo Mitchell dio a la fía n’adopción). L’humor esperimenta un pequeñu cambiu en sumando les percusiones y los coros femeninos de la non menos autobiográfica “Carey” ("The wind is in from Africa / Last night I couldn't sleep / Oh, you know it sure is hard to leave here but it's really not my home"). En “Blue” (“Everybody's saying that hell's the hippest way to go”) ye otra vuelta’l pianu’l que sigue a la voz, mientres qu’en “California” (“Oh it gets so lonely / When you're walking / And the streets are full of strangers”) la guitarra (James Taylor otra vuelta) pidi pol contrapuntu del pedal steel de Sneaky Pete Kleinow, que collabora tamién en “This Flight Tonight”. En “River” el pianu recrea un telón de fondu navidiegu pa una historia de desamor, y otra historia de desamor ye’l pretextu pa “A Case Of You”, una de les lletres más belles que naide escribiera pa ser cantaes. La coda, al pianu, ye “The Last Time I Saw Richard”, otra aventura vocal difícil de cantar al escuchu pero que suena como una acusación xuxuriada al oyíu por una voz que sí, yá se dixo de mano, ye la de la resistencia.

miércoles, 19 de noviembre de 2008

Beckettiana

Primera, beckettiana novela de Xurde Fernández: La espera. La desnudez del títulu ye significativa. Kundera: hai qu’escoyer como títulu d’una novela la so principal categoría. La espera trata, efectivamente, de la espera. Asombra la desnudez non sólo nel títulu: la renuncia a duplicar la trama con observaciones psicolóxiques o morales. Ye una novela, non un tratáu filosóficu: por eso trata, más efectivamente entá, d’un individuu qu’espera. Incluso cuando fuxe, espera. Cuando se plantega entrugues, cuando busca, sigue nel fondu esperando. Esi esperar: ¿qué o a quién espera Antón, la voz de la novela? En cualquier casu, nun ye una espera alegórica, nin cifrada, nin la novela remite a un significáu ocultu. Sólo acción: que seya’l llector el que construya. Técnicamente irreprochable.

martes, 18 de noviembre de 2008

Creedence Clearwater Revival: "Cosmo's Factory" (1970)

Cualquier aproximación a la obra de Creedence Clearwater Revival (CCR) tendría d’entamar per Cosmo’s Factory, anque nun ta fuera de llugar la opinión de que los cinco álbumes del grupu publicaos ente 1969 y 1970 (el citáu más Bayou Country, Green River, Willy And The Poor Boys y Pendulum) formen un únicu bloque conceptual (amás de representar ún de los más intensos españíos de creatividá de los que’l rock tien noticia).
Cosmo’s Factory ye un discu que mira dende lo alto: el mirar del que nun tien dulda a la d’allugar una nota o una pallabra, nin siquiera un arreglu. Ye una meta. Frente a él, los álbumes anteriores representen el recorríu, igual d’apasionante y enllenu d’estaciones impagables, qu’al traviés d’ensayos cuasi siempres acertaos acabó por definir un estilu inconfundible (y por afitar un ésitu enorme que trescendió incluso los condicionantes xeneracionales).
CCR nun tien aparentemente muncho que ver col rock psicodélicu de la época. Aparentemente. Rascando un poco, de siguío s’atopen traces d’influyencies britániques, fundamentalmente los Rolling Stones, y un ciertu aire de familia cola otra gran rara avis del momentu: The Doors. Seique hai un aire country que-y falta al grupu de Jim Morrison, pero nun ye tan importante a la de definir el proyectu CCR. De fechu, tanto The Doors como CCR tienen en común una mayor capacidá d’embebese del blues clásicu que la mayoría de los sos compañeros de promoción, a lo que se xunta una absoluta falta de prexuicios pa cola gran moda discográfica d’esos años: el soul.
La de John Fogerty ye la gran voz del soul blancu. Bon conocedor de cuasi tolos palos de la música afroamericana (blues, gospel, skiffle, negro spiritual, boogie, y por supuestu rock&roll y rhythm&blues), introduz nel rock de la era psicodélica toos aquellos motivos que yeren padremuñu del “swamp blues”: les canciones del pantanu, el vudú de Nueva Orleans, l’almósfera xabaz y supersticiosa del delta del Mississippi. Pero cantando como una estrella de la Motown. De fechu, ún de los más famosos covers de Cosmo’s Factory ye l’ésitu de Marvin Gaye “I Heard It Through The Grapevine” (los otros tres son otros tantos reconocimientos a les fontes de les que bebe Fogerty: Bo Diddley, Roy Orbison y Elvis Presley). Non menos apegaes a les fontes del blues y del soul queden les composiciones del propiu Fogerty, de l’angustiosa “Ramble Tamble” a la motowniana “Long As I Can See The Light”, pasando per pieces imborrables del canon CCR como “Run Through The Jungle”, “Up Around The Bend” y “Who’ll Stop The Rain”.
Como iconu, CCR allúguense na mayoría d’edá del movimientu hippie, nel cantu de la so escayencia. Nos agullíos de Fogerty nun se siente l’inxenuu batir d’esnales de la cultura del ácidu, sinón más bien la rabia d’una xeneración derrotada que ve espardese la guerra de Vietnam a Camboya y presiente, baxo’l mirar de Nixon, que la nueva década va ser abondo escura. Ye tamién la enseñanza del “swamp blues”: pembaxo de la pax americana nun hai nenguna playa, sinón un pantanu infestáu de cocodrilos y muertos que caminen depués de medianueche.

lunes, 17 de noviembre de 2008

Acullá del artificiu lliterariu

Tu muerte fue una bendición para mí: no habría vuelto a escribir si tú hubieras seguido vivo. No paro de pensar que tu muerte es un siniestro crimen perfecto con un único beneficiario: yo.
Acabo de lleer Amarillo, de Félix Romeo, con un respigu percorriéndome l’espinazu de la primer páxina a la última. Nun voi falar de les virtúes del llibru. La mio esperiencia llectora nun foi de signu estéticu. Por tantes razones. Una d’elles (nun sé si la más o la menos importante) la sucesión de concomitancies. Les coincidencies. Y les constantes. Yo sé que Félix Romeo sabe que’l suicidiu ye un actu nel que muerren, a lo menos, dos persones. Y agora sé tamién que nin los suaños me pertenecen.
No siempre he pensado que tu muerte fue el crimen perfecto. Realmente, sólo fui consciente de ese crimen hace ocho años. Soñé que habías regresado. “He estado dando una vuelta por ahí”, decías con una sonrisa en la cara. Me sentía fatal, notaba cómo todo se desmoronaba.

domingo, 16 de noviembre de 2008

Quicksilver Messenger Service: "Happy Trails" (1969)

Dino Valenti, a.k.a. Chet Powers, llegó a Greenwich Village cola intención más o menos consciente d’escribir canciones a la manera de Woody Guthrie. Escribió unes cuantes. Una d’elles, “Get Together”, diba convertise n’himnu tácitu de la cultura hippie, darréu que la grabaren bandes como The Youngbloods, Jefferson Airplane o H. P. Lovecraft. Pero Valenti quería’l so cachu de gloria escénica, asina que, depués d’instalase na bahía de San Francisco, formó una banda llamada Quicksilver Messenger Service xunto al guitarrista John Cipollina.
A partir d’equí, ye Cipollina’l que garra’l timón de la banda, una y bones a Valenti detiénenlu por un asuntu de drogues y pasa años entrando y saliendo de la cárcel. Él ye’l gran ausente en Happy Trails, el demoniu na sombra, o ún de los dos demonios, yá que l’autor de les dos enormes pieces qu’integren la cuasi totalidá del álbum ye otru xuglar de circunstancies, Bo Diddley. Efectivamente, cuasi tol discu ta ocupáu por dos llargos covers d’esti autor, “Who Do You Love” y “Mona”, tresformaos por Cipollina y compañía en delirantes esibiciones d’acid rock.
L’acid rock, o’l rock al serviciu de la esperiencia del ácidu. Música en munchos casos ambiental, tendente a la improvisación, a la introspección, pero tamién al cantu comunal y a la intención evanxelizadora, a la difusión d’un mensax opacu pero fácilmente traducible en fórmules de protesta contra los convencionalismos sociales.
Si Jefferson Airplane representen el llau más pastoril (pero tamién el más políticu) del acid rock californianu, y los Grateful Dead el llau más dionisiacu (la música al serviciu de la esperiencia LSD), Quicksilver Messenger Service escenifiquen l’autoconsciencia del oficiu, la música como arte per se. Nel escenariu, como ye pa sentise en Happy Trails, son obreros del rock, músicos estremadamente cerebrales, por más que medraren nun entornu tan dau a la glorificación del caos. Hai bones razones pa creyer que foi la so pericia técnica lo qu’obligó a Grateful Dead a depurar el so soníu hasta convertise nuna banda convincente por ella mesma y non sólo polo que representaba dientro de la cultura del ácidu. Fuera como fuere, la rivalidá ente les dos bandes yera llexendaria, hasta’l puntu de protagonizar auténticos combates (los Dead, disfrazaos d’indios, atacaben a los Quicksilver nes sos cases y yeren depués oxetu de les sos represalies) que solíen acabar con dalgún d’ellos na cárcel. Una lleenda de cowboys psicodélicos, de xente de frontera, que los miembros del grupu alimentaben cola so vistimienta de pistoleros de western, marca de fábrica reconocible hasta na cubierta del discu y mesmo nos efectos de soníu del otru gran corte del álbum, l’impresionante “Calvary”, compuestu pol guitarrista Gary Duncan.

viernes, 14 de noviembre de 2008

Gracies

Siempres ye prestoso que te dean un premiu, pero'l premiu ye doble cuando'l xuráu ye de luxu.
Bon final de viaxe pa Les vides incompletes.

miércoles, 12 de noviembre de 2008

De viaxe colos Merry Pranksters

Abanderáu del “nuevu periodismu”, Tom Wolfe publicó en 1968 el que taba llamáu a ser el reportax definitivu sobre’l movimientu psicodélicu californianu: The Electric Kool-Aid Acid Test (traducío na versión que yo tengo como Gaseosa de ácido eléctrico). Pero diba ser un error (y tienlo sío en munches ocasiones) cayer na falcatrúa de considerar esti llibru como un documentu históricu. Cuádra-y más el calificativu de novela, anque se-y quiera añedir depués el complementu “de non ficción”. En realidá, lo que fai Wolfe ye usar les estratexes acumulatives del periodismu pa construir una novela con personaxes sacaos de fuera de la imaxinación. Hasta ehí, nada mui diferente de lo que pudieren facer Truman Capote o Norman Mailer. Que l’estilu de Wolfe s’aproxime más al cuasi ultrarrealista William S. Burroughs ye, pamidea, una opción personal, anque tamién pue ser un intentu d’adaptar la forma a la temática (intentando de pasu simular la esperiencia del ácidu per medios lliterarios).
L’argumentu del llibru ye bien conocíu: les peripecies de Ken Kesey y los Merry Pranksters desque’l primeru se convierte en paladín del LSD hasta los últimos díes del grupu en plena fiebre hippie, un arcu que va de 1964 a 1967 y qu’a Wolfe-y val pa esplicar el nacimientu de la contracultura de los sesenta como un apéndiz a les provocaciones y les predicaciones de Kesey, primero percorriendo los Estaos Xuníos nel míticu autobús colos sos compañeros de folixa, depués organizando los Acid Tests, fuxendo a México pa llibrase de dellos cargos por posesión de drogues, y al cabu lliquidando la so propia creación cuando yá la psicodelia se tien convertío en moda xuvenil.
Lleíu agora, al cabu de cuarenta años de la so publicación, y venti años depués de que topara yo con él per primer vegada, el llibru de Wolfe funciona meyor como novela que como apueste apoloxéticu o condenatoriu. Los sos mecanismos vuélvense tresparentes. Kesey, como personax novelescu, tien un recorríu bien reconocible nel que puen vese traces de Xesucristu, Sócrates y el Zaratustra de Nietzsche (amás de clares resonancies del ciclu artúricu). Como toos ellos, Kesey tien un mensax, un carisma y una corte de discípulos. Tamién él mide fuerces colos doctores, coles ilesies rivales (Timothy Leary, el gurú de la psicodelia), tien los sos cuarenta díes d’ausencia enantes de resucitar (la estancia de Kesey en México) y sufre les clásiques tentaciones. Los sos siguidores más cercanos apaecen retrataos con precisión d’arquetipos, especialmente Neal Cassady (rescatáu del On The Road de Jack Kerouac, y por tanto yá un mitu nos círculos beat de los primeros años sesenta), que propiamente nun fai nada, sólo mueve l’acción como una versión Marvel Comics del Übermensch nietzscheanu.
Sólo’l final, agriu por demás pa una novela construida sobre’l motor del entusiasmu, pue entendese como profesión de cinismu por parte de Wolfe. Sicasí, tamién ye verdá que la llectura simbólica de la muerte de Cassady queda amatagada por una puesta n’escena cuasi desnuda (que bebe, pamidea, de Malcolm Lowry, como munches de les páxines del llibru). Oxeciones estilístiques, munches: l’acumulación nun ye nunca una bona receta, nin siquiera nuna obra d’estes característiques, onde la velocidá na esposición ye fundamental, y résta-y, amás, cierta verosimilitú al apoyase en personaxes-función, poco definíos poles sos acciones y muncho menos polos sos diálogos (los diálogos son cuasi inesistentes).

lunes, 10 de noviembre de 2008

Jeff Beck: "Truth" (1968)

De la triarquía británica del blues-rock (Clapton, Beck, Page: los tres procedentes de The Yardbirds), probablemente foi Jeff Beck el más innovador, el más perfeccionista, el menos apegáu a la tradición (Clapton) o a la emoción (Page). Piero Scaruffi tien escrito que foi Beck el qu’inventó la música rock con guitarra eléctrica, y nun ye nenguna esaxeración: cuasi toles técniques qu’él ensayó a mediaos de los años sesenta volviéronse d’usu corriente al final d’esa década.
La banda que formó Jeff Beck n’abandonando The Yardbirds contaba con un tovía desconocíu Rod Stewart como voz solista, Ron Wood (que col pasu de los años entraría de guitarrista nos Rolling Stones precisamente por declinar Beck primero la ufierta) al baxu, Nicky Hopkins al pianu y Micky Waller na percusión. En Truth, el so primer álbum, collaboren tamién John Paul Jones, Jimmy Page y Keith Moon.
Truth ye’l bautizu del hard rock británicu, l’álbum que marca’l pasu del blues-rock a lo que darréu diba llamase heavy metal. Anticipóse namás qu’unos meses al primer álbum de Led Zeppelin, candidatu al mesmu puestu: en realidá, dambos discos representen la prollongación de lo que Beck y Page esperimentaren en The Yardbirds, la puesta a puntu d’un tipu de soníu que pol so enfotu na distorsión, nel usu de los pedales integraos na urdime de les composiciones, dexaba d’encaxar na categoría de blues mestizu que practicaben Clapton y compañía. Como si se tratara d’un pulsu, o d’una carrera pola definición canónica del nuevu estilu, nos dos álbumes hai una versión del mesmu tema de Willie Dixon, “You Shook Me”. Tamién apaez en Truth, abriendo’l discu, una versión de “Shapes Of Things”, que fuera un ésitu de The Yardbirds, más l’influyente “Beck’s Bolero”, coles sos guitarres ximielgues (Page y Beck) trenzando y destrenzando escales y el fuzzbox serrando una tanxencial referencia al boleru de Ravel.
Mención aparte merez Rod Stewart: “Shapes Of Things”, “Let Me Love You” y “Rock My Plimsoul” han contar ente les sos meyores interpretaciones y apunten yá les maneres del so trabayu posterior, tanto en solitariu como colos Faces.

sábado, 8 de noviembre de 2008

Wild Horses

Hai munchos años yá, a primeros de la década de los noventa, l'escritor gallegu Ramón Caride Ogando unvióme l'orixinal d'un poemariu que diba publicar, tituláu Warszawa, onde cada poema enllazaba con un cantar bien conocíu de la música pop de los últimos trenta años. Pidíame Ramón un poema que-y valiera de prólogu, siguiendo'l so esquema, y mandé-y ún, tituláu "Wild Horses", que seique güei diba soname tan avieyáu y vallejianu como tolo qu'escribía yo daquella. Hasta onde yo sé, Warszawa nun se publicó nunca, pero Ramón incluyó la parte final del (llargu) "Wild Horses" como antoxana pa otru llibru suyu, Cerne das labaredas (Edicións Espiral Maior, 1994). Favor que me fexo, yá que la única copia que conservo d'esi poema míu ye la versión impresa nesi llibru, traducida al gallegu. Diviérteme volver a traducila (a traducime) al asturianu. La parte primera del poema doila por desapaecida.

...
tocante a min, yá nun me pienso -ye un dicir- Orféu
nin cuento que tu Eurídice o Penélope
-daquella yo Ulises inevitablemente-
non yá nunca más Sigrid de Thule o Janis
nunca más Leonard Cohen o’l Capitán Trueno
el mundu esbarrumbóse y tu y yo
qué más-y da al mundu si fuimos quien a namoranos
soi consciente tengo autoconsciencia
lo mesmo que la tendría cualquier working class hero
consciente de ser demasiao nuevu pa morrer
y pal rock’n’roll demasiao vieyu

bienvenida al paraísu bienvenida né al infiernu
nin siquiera milenta nin siquiera un millón
de caballos selvaxes van poder rescatate
nin tolos caballos selvaxes
de tolos selvaxes cuentos

llórame né llórame llueñe llórame
nos tos grises suaños de turbón íncubu al fin
al fin virréi de la única islla ausente
resignáu a nun ser más una estrella que grita.

jueves, 6 de noviembre de 2008

Buffalo Springfield: "Buffalo Springfield Again" (1967)

Nin siquiera la proyección posterior de dos de los sos componentes, Stephen Stills y Neil Young, ye motivu pa infravalorar la influyencia y l’ésitu de Buffalo Springfield nel contextu de la psicodelia californiana. Ye precisamente’l carís que van garrar dambes carreres lo que yá s’apunta nel segundu álbum del grupu (como tamién les maneres d’otru de los sos miembros, Richie Furay, fundador años más tarde de Poco, una de les bandes más reconocibles del country-rock). Dende’l tonu incisivu, críticu col naciente star system del rock, qu’esibe Young en “Mr. Soul” (apoyándose nel conocíu riff de los Rolling Stones en “Satisfaction”, como volverá facer esplícitamente con “Lady Jane” en “Borrowed Tune”, en pasando dellos años) asina como en “Broken Arrow”, alfa y omega del discu, hasta l’esperimentalismu de Stephen Stills colos arreglos en “Bluebird” y “Hung Upside Down” y del propiu Young en “Expecting To Fly”, pasando pela primer collaboración de Stills con David Crosby, “Rock & Roll Woman” (dedicada a Grace Slick, de Jefferson Airplane), onde yá se ve’l guañu de lo que va ser Crosby, Stills, Nash & Young: el resultáu ye un trabayu d’equipu más qu’una suma d’individualidaes, un fuxidizu equilibriu dientro d’una curtia carrera enllena de conflictos y ambiciones personales.

miércoles, 5 de noviembre de 2008

Un razonamientu simple

Ye l'home del momentu. Y ye un gran momentu. Sólo hai que pensar na llarga historia d'humildaciones sufríes pola xente negro, y non sólo nel país d'Obama. Ye simple. A partir de mañana, como siempres, entamen los matices, los claroscuros, pero güei ye pa cellebralo como un actu de xusticia poética.

domingo, 2 de noviembre de 2008

The Yardbirds: "Roger The Engineer" (1966)

Había dos alicientes pa ver Blow-Up (1966), la película d’Antonioni sobre’l “swinging London”: de mano, que yera (presuntamente) l’adaptación d’un cuentu de Cortázar, pero tamién (y esto resultó ser lo único perdurable de la esperiencia) que nella salía un conciertu de The Yardbirds con Jeff Beck estrizando una guitarra. Seique Antonioni pretendía dexar n’evidencia’l vacíu esistencial qu’arrodiaba a la cultura pop de los años sesenta, o al meyor namás buscaba ganase al públicu más cool del momentu (de fechu, nun principiu Antonioni quería a los archifamosos The Who pa esa escena). Fuera como fuere, el “momentu Yardbirds”, anque poco verosímil (nin siquiera la guitarra ye de les qu’usaba Beck, anque vete a saber si ye verdá que l’instrumentu pertenecía a Steve Howe, como se tien dicho), tovía tien daqué atractivu pa los siguidores del grupu y de la cultura pop de los sesenta en xeneral.
[Sicasí, la escena apóyase en dellos elementos conceptuales d’interés. 1) Beck fraya la guitarra non como parte del espectáculu sinón porque alloria por culpa de dellos problemes col equipu de soníu. 2) Ye’l públicu’l que-y atribúi un significáu cuasi sacramental al actu d’estrizar la guitarra, hasta tal puntu que s’entama una soberana griesca por ver quién s’apodera de los restos del instrumentu (del mástil, concretamente). 3) El mástil pasa de ser un cachu d’instrumentu a convertise nun oxetu con aura, dignu de veneración. 4) Esa veneración nun tien nada que ver cola utilidá del oxetu, sinón col momentu (col eventu) que xeneró l’aura. 5) Una y bones se fai dueñu del mástil y llogra safase de los sos persiguidores, el protagonista de la película (David Hemmings) mira pal oxetu y vuelve a velu como lo que ye, un cachu de madera y poco más, ensin aura nin nada, asina que lu arrefundia na cai y olvídase del asuntu.]
En 1966, pa cuando se rodó Blow-Up, diba meses qu’Eric Clapton abandonara The Yardbirds y lu sustituyera Jeff Beck. Esi mesmu añu, el grupu publicaba’l que diba pasar a la historia como l’únicu álbum d’estudiu compuestu ensembre polos miembros de la banda, ello ye, ensin covers. Ye, amás, la fotofixa del estáu de la banda baxo la dirección de Beck, y por mor d’ello, amás, un conxuntu de delles de les grabaciones más influyentes na naciente psicodelia, ente elles “Lost Woman”, “The Nazz Are Blue”, “Over, Under, Sideways, Down”, “Hot House Of Omagarashid” y el simpáticu “Jeff’s Boogie”. Rock’n’roll, r&b, power pop n’estáu protohistóricu, escales y soníos de procedencia oriental: l’álbum furrula como una caxa de ferramientes abierta al públicu, como un catálogu de recursos espresivos del que va echar mano’l rock emerxente a un llau y a otru del Atlánticu. Anque oficialmente recibió l’asépticu títulu The Yardbirds (mientres que na edición americana foi rebautizáu como Over Under Sideways Down), l’álbum pasó darréu a llamase popularmente Roger The Engineer por culpa de la lleenda qu’apaez na cubierta (bautismu popular que va repetise col “doble blancu” de The Beatles, igual que col “cuartu” de Led Zeppelin).

viernes, 31 de octubre de 2008

miércoles, 29 de octubre de 2008

King Crimson: "In The Court Of The Crimson King" (1969)

Escuché esti discu per primer vegada’l día que cumplí quince años. Yera 1985. Daquella, la música que se sentía pela radio (sacante la heroica Radio 3, y poco más) taba absolutamente dominada pol sintetizador y el saxu. Pela cueta, nel primer álbum de King Crimson los timbres que llamen l’atención son teclaos y vientos d’otru xeitu, a saber: el melotrón y la flauta.
El melotrón tuvo una curtia pero gloriosa vida. Atopó’l so sentíu conceptual cola psicodelia, yá fuera compitiendo o en simbiosis col muérganu Hammond, y col boom del llamáu “rock progresivu” la so sonoridá foi quedando soterrada baxo otres fanfarries más de moda o acabó dexenerando en soníu de chiste, al serviciu d’escesos wagnerianos de bien pocu recorríu estéticu. En determinaos momentos, contribuyó a pasaxes d’una belleza cuasi estemporánea: ye’l casu de In The Court Of The Crimson King, y particularmente del cuasi homónimu corte final (“The Court Of The Crimson King”, pa ser esactos).
L’álbum ensembre bazcuya ente’l folk y el jazz, ensin ser nenguna de les dos coses: d’ehí que significativamente entame con “21st Century Schizoid Man”, una pieza de cuasi hard rock, d’ambientación futurista y maneres orwellianes nel testu (escritu, como cuasi tolos del grupu nos cuatro primeros álbumes, por Peter Sinfield, que col andar de los años emplegará’l so talentu en face-y lletres a ¡Céline Dion!), y con un brillante trabayu de la sección rítmica (Michael Giles na batería y Greg Lake nel baxu). Les influyencies más folkies rescamplen nos temes restantes y mui especialmente en “I Talk To The Wind”, cola flauta del inspiráu Ian McDonald sobrevolando un cantar que sólo’l talentu retorcíu de Robert Fripp (guitarrista, pero sobre too dictador y alma de la banda a lo llargo de tola so esistencia) ye quien a allonxar del entornu pastoril onde paez que nació. Completen el trabayu “Moonchild” y “Epitaph”, escultures sonores irrepetibles, destinaes (¿a costafecha?) a la rotunda incomprensión de la mayoría de los oyentes potenciales del discu.

martes, 28 de octubre de 2008

Heaven

¿Val pa dalgo una canción, anque seya de los Talking Heads, los díes que nos sentimos "ciegos de futuru, ensin ver más p'allá de tres pasos"?
Sí, ho. Claro que val.

domingo, 26 de octubre de 2008

The Groundhogs: "Thank Christ For The Bomb" (1970)

A finales de la década de 1950, un puñáu de grandes intérpretes de blues (Sonny Boy Williamson, Howlin’ Wolf, Muddy Waters) empezaron a ser mui populares ente la mocedá de les islles britániques. Del so maxisteriu surdió nos años sesenta un tipu de blues específicamente británicu, lideráu por músicos como Alexis Korner, John Mayall y Cyril Davies. Al rodiu d’estos, en locales como’l Marquee o l’Ealing Jazz Club, foi maureciendo la impresionante cantera del blues-rock inglés que va protagonizar l’españíu creativu d’ente 1966 y 1972.
Dirixíos pol cantante y lletrista Tony McPhee, The Groundhogs foron medrando nesi nichu ecolóxicu y al traviés d’una cuasi devoción pola figura de John Lee Hooker. Nuna de les sos munches reinvenciones, llograron poner en xunto un puñáu de pieces memorables en Thank Christ For The Bomb, un álbum muncho influyíu por Cream y en cierta midida tamién polos primeros Jethro Tull. Concebíu temáticamente como un discu antimilitarista, l’aparente inxenuidá de les lletres (mui na llinia de la “protest song” d’esos años) atopa un dignu contrapuntu na crudeza cuasi hard d’un trabayu instrumental llevantáu al traviés de llargues series d’improvisaciones cruciaes sobre una estructura cenciella. Ente los temes que dexen una güelga más fonda, el furiosu “Darkness Is No Friend”, l’enigmáticu “Status People”, y el métálicu “Strange Town” col qu’abre l’álbum.

viernes, 24 de octubre de 2008

Capital

Acierta Pablo Texón: Parque Principado ye la capital d'Asturies. Con rollu cortesanu y con too, ellí nos vemos mañana sábadu pa re-presentar Asturies cuenta... (...y naide nun escucha). Prometo que, si él canta, yo faigo los coros.
La bacanal, a les siete na ¿o ye "nel"? FNAC. Va tar él, voi tar yo, va tar Silvia Cosio, Pablo X. Suárez y bilórdiase que tamién Ramón Lluís Bande.

jueves, 23 de octubre de 2008

Este Madrid

Güei, nel Antiguu Institutu, marcóse Xabel Vegas una versión acústica de "Maneras de vivir", y foi por eso que me punxi a restolar pela caxa de les sorpreses y atopé esta actuación de Leño con otru de los sos clásicos. Con ello atopé tamién un calafríu: ye la segunda vez que veo esta actuación nuna pantalla, pero pasaron venticinco años dende la primera.

miércoles, 22 de octubre de 2008

The Rolling Stones: "Sticky Fingers" (1971)

Que los Rolling Stones se volvieren una caricatura d’ellos mesmos (y de la idea ensembre del rock como espectáculu pa mentes mononeuronales) nun quita pa reconocer que la suya ye una figura paradigmática. Reconocío queda. Agora, dende un puntu de vista más personal, nun puedo dicir que la so discografía m’apasione, sacante esi discu emocionante que lleva por títulu Aftermath y el conxuntu de los álbumes que-yos produxo Jimmy Miller ente 1968 y 1972 (Beggars Banquet, Let It Bleed, Sticky Fingers y Exile On Main Street; nun incluyo l’últimu con Miller, Goats Head Soup, de 1973, menos agraciáu en tolos sentíos).
D’esa tetraloxía involuntaria (que lo ye, pamidea, namás que pa min como oyente), Sticky Fingers ye l’álbum que más m’implica, tanto no musical como no biográfico: pertenez a esi puñáu de discos que van asociaos a una época concreta de la mio vida, y caúna de les notes y caún de los sones envuelven noticies d’un yo cuasi escaecíu. Asina, el riff con qu’entama “Brown Sugar”, los metales de “Bitch”, l’acompañamientu de cuerdes de “Moonlight Mile” (y esi versu sobre tener la cabeza enllena de ñeve, cómo non): momentos cristalizaos, empaquetaos por Jagger, Richards y compañía. Tamién “Sway”, una canción de cuasi puru azar, que tal paez que se fixera sola, y la vaquera “Dead Flowers”, tan irónica como tolo que los Stones punxeron en clave country. El turbón de “Can’t You Hear Me Knocking” (grandísimu Mick Taylor na guitarra solista) diba ser el momentu cimeru del discu de nun ser por dos visiones alucinantes, les que provoquen “Sister Morphine” (escrita por Marianne Faithfull) y “Wild Horses” (un ecu de la enorme influyencia de Gram Parsons nel Keith Richards de la época: nun ye d’estrañar que los Stones-yos dexaren grabala primero a The Flying Burrito Brothers).

martes, 21 de octubre de 2008

Yo quería saber más del canguru

Delles observaciones sobre la última novela de Jonathan Lethem, Todavía no me quieres. De mano, una reseña de Silvia Cosio publicada nel Suplementu de Cultura del diariu La Nueva España. Diz asina:
MAMÁ, QUIERO SER ARTISTA
Si usted ha soñado alguna vez con ser una estrella del rock lea este libro. Si, por otro lado, nunca ha tenido el menor interés en subirse a un escenario a berrear delante de un montón de fans que coreen su nombre, lea este libro. Porque Jonathan Lethem utiliza como excusa las (des)venturas musicales de esta pandilla de casi treintañeros para trazar un mapa exacto del amor, el deseo, los desengaños y el precario equilibrio entre las ambiciones y los principios personales. Con un estilo directo y seco, lejos de los alardes estílísticos de otros compañeros de generación, como Michael Chabon, el autor se autoproclama bajista de la función, marcando el ritmo de un relato que, en el fondo, es una gran novela de amor y pérdida. Lethem muestra a sus personajes desnudos ante el lector, con todas sus grandezas y mezquindades al descubierto, sin juzgarlos pero también sin el menor atisbo de compasión. Desde Lucinda, la bajista del grupo que encuentra en un extraño hombre gordo a su musa, pasando por Bedwin, una suerte de Kurt Cobain sin el menor encanto, o Matthew, el cantante-veterinario cuya vida queda paralizada por culpa de una canguro deprimida del Zoo de Los Angeles, todos y cada uno de ellos se encuentran en un momento de sus vidas en el que tienen que decidir si continúan como están o se hacen adultos. Y todos sabemos lo difícil que es hacerse mayor.
Otres consideraciones al aldu: 1) Impecable l’equilibriu ente los personaxes. La banda de rock como modelu de la comedia humana. Del zoo humanu, más bien: la escena de la visita de Denise y Lucinda al zoo de Los Angeles ye’l cuadru pintáu dientro del cuadru. 2) Los personaxes que nabeyen alredor de la banda queden, pela contra, daqué desdibuxaos. Más en concreto, Falmouth daba pa muncho más que les cuatro llinies que lu boceten. Otro tanto Jules Harvey. Non asina Autumnbreast. 3) Tengo evidentes dificultaes pa empatizar con cualisquier trama lliteraria que se desenrolle en Los Angeles. D’eso nun tien Lethem culpa nenguna. 4) Nun acepto que Matthew devolviera’l canguru ensin más. El canguru ye más qu’una figura retórica onde reflexar el carácter de Matthew. Yo quería saber más d’esi canguru.

lunes, 20 de octubre de 2008

Captain Beyond: "Captain Beyond" (1972)

Captain Beyond pertenez al club de los llamaos “supergrupos”, etiqueta que namás que fai referencia a la circunstancia de que los componentes d’una banda militaron primero n’otres bandes de prestixu o d’ésitu. Asina, el cantante de Captain Beyond, Rod Evans, tuviera en Deep Purple enantes que lu sustituyera Ian Gillan, mientres que’l batería Bobby Caldwell tocara con Johnny Winter y tanto’l baxista Lee Dorman como’l guitarrista Larry “Rhino” Rheinhart formaren parte de los míticos Iron Butterfly. Con eses blimes ta fechu’l primer álbum del grupu, Captain Beyond, una escursión complexa, con elementos de “space rock” (especialmente nes lletres), jazz, hard y rock sureñu (el sellu que lu editó, Capricorn, foi la casa de los Allman Brothers y de The Marshall Tucker Band). Más p’allá del virtuosismu técnicu (que los cuatro músicos esiben ensin nengún pudor, como mandaben los cánones de la época), ye esta una obra construida sobre la contención, el pulsu a la de midir la duración de caúna de les secciones y la bien evidente intención de firmar un álbum comprehensivu, progresivu na sintaxis pero non nos materiales (los ocasionales teclaos permanecen nun discretu segundu y hasta tercer planu): un sorprendente y perfectu híbridu de hard rock británicu y psicodelia norteamericana.

sábado, 18 de octubre de 2008

Pink Floyd: "The Dark Side Of The Moon" (1973)

Munchos siguidores de Pink Floyd se tienen apuntao, a lo llargo de los años, a la rebusca de significaos ocultos y matrices pitagóriques per detrás o pembaxo de los sos discos. Vamos probar, por tanto, una interpretación de signu esotéricu, anque seya namás que como exerciciu d’estilu. Pongamos por casu que, a la de xustificar la elección de The Dark Side Of The Moon como l’álbum central de tola discografía de Pink Floyd, hai qu’echar mano de simetríes suxerentes. Y ye asina como reparamos en que los cinco grandes álbumes del grupu británicu conformen una serie temporal d’esti xeitu: The Piper At The Gates Of Dawn (1967), Meddle (1971), The Dark Side Of The Moon (1973), Wish You Were Here (1975), The Wall (1979). Ente’l primeru y el segundu, cuatro años, los mesmos qu’ente’l penúltimu y l’últimu; ente’l segundu y el terceru, dos años, los mesmos qu’ente’l terceru y el cuartu. Simetría: 4-2-2-4. Númberos que, sumaos, dan 12: el mesmu númberu d’álbumes d’estudiu que Pink Floyd grabó con Roger Waters como miembru activu de la banda, el mesmu númberu d’años trescurríos ente la primer obra maestra y la última. Amás, 42 minutos con 24 segundos vien a ser la duración de The Dark Side Of The Moon si descontamos les transiciones ente corte y corte. La numberoloxía, pa que furrule, ye namás cuestión de tener tiempu llibre.
Polo demás, si prescindimos de los númberos la rellación ente los cinco álbumes pinta dalgo más interesante. Considerando la formación más estable de Pink Floyd (Roger Waters, David Gilmour, Richard Wright, Nick Mason), nin el primer álbum nin l’últimu de los citaos son pensables ensin la collaboración d’un quintu suxetu creativu: Syd Barrett nel casu de The Piper At The Gates Of Dawn (miembru fundador de la banda, sólo progresivamente sustituyíu por Gilmour por razones de salú mental), Bob Ezrin nel casu de The Wall (nes funciones de productor). En cambiu, los tres álbumes que conformen el centru de la serie son atribuibles cuasi colexadamente a los cuatro músicos mencionaos baxo la presidencia de Waters, y tamién pue dicise que, si’l que nos interesa tien una función de nucleu tamién en cuanto al aspectu compositivu, ello ye pol calter más fragmentariu que ye dable atribuir a Meddle y a Wish You Were Here. Tamién equí l’aproximación y l’allonxamientu, trazando una llinia ascendente y otra descendente: el primer álbum y el quintu mándense de la forma canción, mientres que’l segundu y el cuartu alternen les canciones cola suite (“Echoes” en Meddle, “Shine On You Crazy Diamonds” en Wish You Were Here) y sólo’l terceru (el nucleu) va ensariando los tramos cantaos colos instrumentales nuna sola obra que ye más que la suma de les partes.

martes, 14 de octubre de 2008

The Replacements: "Let It Be" (1984)

The Replacements nun foi la primer banda que morrió d’ésitu, nin la última. Surdíos del circuitu underground de Minneapolis, igual que los sos amigos / rivales Hüsker Dü, taba claro pa cualquiera que tuviera oreyes qu’aquellos cuatro inadaptaos nun yeren parte de la escena hardcore, por más que’l so desdexamientu formal y la so actitú nihilista contribuyeren a la confusión. Sacante una querencia pola velocidá qu’hai qu’atribuir a los sos años de deprendimientu al rau de Bob Mould y compañía, la propuesta de The Replacements tien más que ver con Tom Petty, Alex Chilton o Johnny Thunders que con Black Flag o The Minutemen. Tocante al so cantante Paul Westerberg, el so enclín autodestructivu, el so carisma d’eternu adolescente y les sos canciones enllenes d’alcohol y épica de patiu d’institutu concasen más con Morrissey que con Henry Rollins. En Let It Be, l’últimu álbum que grabaron con Twin/Tone Records, atreviéronse hasta a calcar l’emblemáticu títulu de The Beatles y dexaron pa la posteridá (una posteridá que nun contó con ellos, darréu del so saltu a la gran industria musical) once canciones impecables. De la cuasi rockabilly “I Will Dare” (con Westerberg a la mandolina y Peter Buck, de R.E.M., como guitarrista invitáu) al heavy metal minimalista de “Answering Machine” ("How to do you say 'I miss you' to / An answering machine?"), sucédense impresionantes escenes de la vida suburbana, ente elles la cervecera “Favorite Thing”, “Androgynous” (con acompañamientu de piano y almósfera de club de jazz), “Unsatisfied” (documentu sonoru del spleen de la era Reagan, una canción con muncho de Rod Stewart y de Tom Petty pero con muncho más de Westerberg) y la balada “Sixteen Blue”, amás d’una versión impagable del tema de Kiss “Black Diamond”.

lunes, 13 de octubre de 2008

D'estrena

Esta vegada tócanos a Miguel Rojo y a min facer los honores. Cómo non, tenía que ser nun chigre.

sábado, 11 de octubre de 2008

Indios en Laponia

Yá va siendo hora de dicir dalgo del tema Liet Lavlut. Pal que nun lo sepa, ye un certame musical onde compiten canciones en llingües minorizaes, y la edición d’esti añu va cellebrase en Laponia’l próximu 18 d’ochobre. Va haber ellí una canción n’asturianu, y ellí va tar Dixebra pa defendela énte’l públicu y el xuráu. La canción titúlase “Indios”, y la lletra, modestamente, vien siendo mía. Debe ser por eso que quixeron llevame a pasar fríu a la tierra de los renos, pero nun va poder ser: ún cada vez ye menos dueñu del so tiempu, si ye que lo foi dacuando. Too ello nun quita pa que me preste la nominación más qu’a un tontu un llapiceru, y como güei tenía ganes de facer dalgo d’autobombu (porque sé qu’hai xente que nun-y presta nada y por maldá puramente, boba) equí va, con tol ánimu del mundu pa los collacios dixebriegos.

viernes, 10 de octubre de 2008

Morriendo lo que queda de vida

Acabo sentilo na cai: "Yo nun pienso vivir tola vida".

jueves, 9 de octubre de 2008

Teenage Kicks

Grabáronla The Undertones nel Ulster hai trenta años. Hai quien diz que ye la canción químicamente perfecta. Hai díes en que ye verdá.